Se acaba de estrenar la obra de teatro “Elling” en el teatro Galileo de Madrid después de unos meses de gira por algunas ciudades españolas. La dirección es de Andrés Lima, el director de escena que acapara más premios Max y en los papeles protagonistas dos de los mejores actores de nuestro país, Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez. Ambos nos trasladan brillantemente al mundo de las emociones y de la locura de unos personajes que buscan su sitio, que hablan de amistad y que también tienen mucho miedo.

El texto es de Ingvar Ambjornsen y la adaptación para este montaje ha corrido a cargo de David Serrano. Nos presenta a dos enfermos mentales, Elling y Kjell, recluidos en un hospital psiquiátrico que son trasladados a un piso tutelado por el gobierno para adaptarse a la vida social, a una vida que podemos considerar “normal”. Son dos personajes muy diferentes, Elling (Carmelo Gómez) es un hombre culto, amante de la poesía y con una gran imaginación,  que vivió siempre con su madre protegido de cualquier incidencia externa hasta que al fallecer ésta, fue internado en el hospital. Kjell (Javier Gutiérrez), por su parte, es un hombre rebosante de instintos primarios, obsesionado por la comida y el sexo.  Por diferentes son complementarios, casi todo es nuevo para ellos, incluso salir a la calle es toda una aventura. Por encima de todo es una historia de amistad y juntos emprenden el camino hacia la supuesta “normalidad” entre situaciones cómicas y otras más dramáticas. Aparecerá una mujer en la vida de ambos y todo se transforma, excepto la amistad que seguirá estando ahí. Están acompañados por los actores Chema Adeva y Rebeca Montero y el pianista Mikhail Studyenov que pone la música en directo.

Una escena de la obra. Fuente: nonobstante.blogspot.com

Vestida de comedia, realmente es un profundo drama  tratado con mucha naturalidad en una dirección que sorprende por momentos. El texto es emotivo e inteligente y la puesta en escena rompe con la cuarta pared convirtiendo el escenario del teatro Galileo en una especie de ring de boxeo al que rodean los espectadores por los cuatro costados. Pero sin duda, lo mejor es la interpretación de ambos actores, que sobre las tablas nos dan una lección magistral de teatro. Lo hacen desde la normalidad de un trabajo profesional,  sin estridencias pero con un punto de locura y con una gran sensibilidad para aceptar esos personajes que funcionan con unos registros tan diferentes. Unos personajes que prepararon conviviendo con enfermos de verdad en un taller durante varios días. Además consiguen una gran compenetración en escena que mantiene la obra siempre en un alto nivel de energía y ritmo como comentaba el propio Carmelo Gómez, “cuando uno baja, el otro sube y mantenernos el ritmo y eso el espectador lo nota”. Juegan en el escenario con unos personajes que permiten casi cualquier exceso, lo cual es un lujo para cualquier actor. Ambos  juegan y se divierten y hacen disfrutar al público.

Javier Gutiérrez y Carmelo Gómez

Un trabajo bien hecho, que emociona y donde los actores también se han involucrado en la producción. Entre otros proyectos, Carmelo Gómez acaba de estrenar la película “Silencio en la nieve” del director Gerardo Herrero y Javier Gutiérrez sigue inmerso en la serie “Aguila Roja”, pero ambos aman el teatro y no pierden de vista la posibilidad de subirse a un escenario. Enhorabuena a ambos por este regalo y que sean muchos los espectadores que puedan respirar las sensaciones de Elling y Kjell, dos niños que se ven obligados a jugar a ser mayores. Y es que, al final,  el teatro es un juego.

Otros enlaces:

Página web de la obra

Entrevista Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez en Gente con Duende (11’38”)

 “Drácula” uno de los proyectos más esperados aterriza en el teatro Marquina  con actores de la talla de Emilio Gutiérrez Caba o Ramón Langa y el joven Martiño Rivas que debuta en el teatro. La versión es de Jorge de Juan y la intención es trasladar el terror de este clásico al patio de butacas acompañado de una escenografía muy cuidada. Otro de los estrenos esperados es “El tiempo y los Conway” en los teatros del Canal a partir de la semana próxima con Luisa Martín y Alejandro Tous encabezando un elenco que  nos traslada en un minuto desde 1919 a 1937 en la vida de una familia y después retrocede al momento inicial. Un paseo por el tiempo que  supone todo un reto teatral para uno de los directores de más prestigio de nuestro país como es Juan Carlos Pérez de la Fuente.

La comedia en sus diferentes versiones y matices también protagoniza este mes de enero con “El Apagón” en el teatro Alcázar con el sello de humor de Yllana. Una trama en la que un joven escultor interpretado por Gabino Diego piensa que ha llegado su momento tanto en lo artítico como en la relación con su pareja, aunque deberá resolverlo todo a ciegas porque se ha producido un apagón y no hay luz. También en clave de comedia tenemos ya en cartel a Juanjo Cucalón y Raúl Cimas en el teatro Reina Victoria con “La extraña pareja”. Una versión de la genial obra de Neil Simon inmortalizada en cine por Walter Mathau y Jack Lemmon, de dos divorciados que deciden compartir piso apareciendo continuas situaciones cómicas que nos recuerdan a un matrimonio.

Javier Gutiérrez y Carmelo Gómez

Tampoco debemos olvidar el retorno al teatro de uno de los más grandes actores de este país, Carmelo Gómez, en este caso, junto a otro no menos grande como Javier Gutiérrez con “Elling” en el teatro Galileo. Dos enfermos recluidos en un psiquiátrico durante mucho tiempo, de repente se ven fuera compartiendo un piso y luchando por adaptarse a la sociedad. Cada acción cotidiana para ellos se convierte en un reto a superar. El director es Andrés Lima, que también firma “El montaplatos” con la compañía Animalario y dos de sus actores más conocidos como Alberto SanJuan y Guillermo Toledo en el Matadero de Madrid. Una enigmática historia escrita por Harold Pinter con dos matones  a sueldo esperando instrucciones en la cocina de un restaurante.

Cartel de El manual de la buena esposa

Otras propuestas interesantes protagonizadas por mujeres como Natalia Hernández, Llum Barrera y Mariola Fuentes, que  llegan al teatro Lara con “El manual de la buena esposa” o el estreno que acaba de triunfar en Barcelona al teatro Bellas Artes, “El año que viene será mejor”.  Petra Martínez acompañada de su marido Juan Margallo y con la dirección de su hija Olga Margallo presenta dos propuestas para el teatro Arenal “La Madre pasota” y “Cosas nuestras de nosotros mismos”. Las Chirigóticas reestrenan “La maleta de los nervios” en el teatro Alfil con la intención de hacernos reír con su gracia gaditana.  En el Centro de Nuevos Creadores se podrá ver  “170 explosiones por segundo”, ganadora del concurso 2010 de dramaturgia de Teatro por la Identidad. Y muchos más que llenarán también las salas alternativas.

Proyectos que quizá no tuvieron cabida al inicio de temporada y esperaban su oportunidad, otros que han probado durante los meses anteriores de gira en localidades de nuestro país y los programados para estas fechas desde hace tiempo. Sea como fuere, la oferta se incrementa y los que nos gusta el teatro nos volvemos un poco locos. Nuevas ilusiones en competencia con la crisis, las rebajas y los bolsillos vacíos de muchos españoles. Quizá el teatro nos aporte algo para superar los malos tragos y la cuesta de enero. Ojalá.

Siempre es un placer, poder sentarte durante 2 horas en una sala de cine para disfrutar y emocionarse. Así es “Maktub”, la primera película del director Paco Arango que cuenta una historia de vida en familia y de lucha contra la enfermedad. Es triste y alegre a la vez y consigue arrancarte sonoras carcajadas y un montón de lágrimas. Un placer cinematográfico lleno de emociones, una película para ver con toda la familia, que espero sea uno de los éxitos de esta Navidad.

Los ingredientes son muy sencillos. Un adolescente con un cáncer terminal se cruza en la vida de una familia con problemas y a punto de romperse. Este joven se pasa la vida en el hospital entre pruebas y diagnósticos con una madre soltera que se desvive por salir adelante y será como una revolución en la vida de esta familia al borde del caos. La historia se desarrolla con calma, paso a paso, incluso diría yo con un guion previsible y fácilmente anticipable por el espectador.  No te sorprende, porque las cosas pasan como deben pasar. Esto es uno de los grandes logros de la cinta, además de la lista de interesantes personajes que van apareciendo en la trama.

Goya Toledo, Diego Peretti y Aitana Sánchez-Gijón

En los papeles protagonistas Diego Peretti  y Aitana Sánchez-Gijón son los padres de la familia, Aron Piper y Sara Jiménez, los hijos. El adolescente enfermo es  Andoni Hernández y Goya Toledo su luchadora madre. Pero además aparecen en pequeños papeles,  Amparo Baró llena de energía interpretando a la abuela de la familia, Mariví Bilbao su inseparable compañera en la residencia en un papel casi sin texto que sorprende por su genialidad, Enrique Villén  que es el vecino de abajo y Rosa María Sardá es la enfermera de la conciencia de nuestro protagonista. Todos están a un grandísimo nivel, son personajes limpios y cariñosos que te enganchan por su ingenuidad.

Paco Arango, el director

Es una película tierna para ver la toda la familia, especialmente en estas fechas navideñas con vacaciones para los más pequeños. De esas que por “normales” ya casi no se hacen. Trata muchos de los típicos problemas familiares, las relaciones entre hijos y padres, y entre estos y los abuelos y también los tópicos navideños en una película estrenada para la ocasión. Sin embargo, Paco Arango, lo hace con tal sensibilidad y normalidad que parece nuevo y original y sobre todo es muy entretenido. Enhorabuena  por esta película que, por lo menos en mi caso, ha conseguido hacerme reír y llorar por igual y mantener la emoción durante 2 horas.

Maktub significa “lo que está escrito”, el destino contra el que poco o nada se puede hacer. No sé si es una perspectiva demasiado fatalista, pero quizá si es una ocasión para reflexionar de manera tranquila sobre cómo nos estamos conduciendo en nuestro devenir diario. Como nos comportamos con nuestra pareja, familia, amigos, con nuestros compañeros de trabajo e incluso con nuestros vecinos. Merece la pena, y además no cuesta tanto, hacer las cosas bien y tratar a los demás como nos gusta que se porten con nosotros. Un mensaje muy navideño, que no por repetido, deja estar de más. Gracias por esta película y que nadie se la pierda.

Otros enlaces:

Página web de Maktub la película

Trailer de Maktub en You Tube (1’38”)

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Cartel "The solitude"

Hace unos días pasé una tarde en el parque Fuente del Berro de Madrid con el equipo de Radwood Films participando en el rodaje de un cortometraje titulado “The solitude” de Roberto Bueno. Una tarde de mucho frío para rodar una escena interpretando a  un agente del gobierno a quien le han rebanado el cuello. Tirado en el suelo, lleno de sangre y muriendo una y otra vez.

Una experiencia interesante donde en primera persona puede comprobar muchas cosas y conocer un poquito más el mundo del cine y de los rodajes. La cita a las 3 de la tarde con Ainara, la jefa de producción, llegada al parque, saludos a los miembros del equipo de rodaje a medida que éstos iban llegando. Después de un rato, primera fase, caracterización con Rafa Fernández durante más de 1 hora. Interpreto a un hombre moribundo con un corte en el cuello, así que me colocan una prótesis que ha hecho especialmente para mí, pelos, maquillaje y sobre todo mucha sangre. Instrucciones del director, Roberto Bueno, con quien comparto la escena; él es uno de los protagonistas que accidentalmente se encuentra en el parque con este agente del gobierno moribundo. Al suelo y a rodar los diferentes planos de la escena, hasta 14 en un trabajo que nos llevó hasta bien entrada la noche, más allá de las 22 horas.

Roberto Bueno, actor y director "The solitude"

Una de las preguntas recurrentes que muchas veces hacemos a los actores es acerca de sus preferencias entre cine o teatro. Las respuestas suelen referirse al ritmo de rodaje, a las secuencias y planos, al acercamiento al personaje a la manera de interpretar, pero nunca había escuchado considerar como diferencia el lugar y la temperatura de trabajo. El teatro se hace bajo techo,  salvo las lógicas excepciones veraniegas, pensando especialmente en el confort del espectador. Sin embargo, en el cine se trabaja a temperatura ambiente y si te toca rodar en diciembre, de noche, en camisa y con temperaturas cercanas a cero grados, la diferencia es notable. Pude comprobar como lo que a las 4 de la tarde es una temperatura soportable, a medida que avanza el día y llega la noche, el frío te penetra en los huesos y te hace tiritar.

Pero al final, esto no deja de ser una anécdota más. Lo realmente especial de esta experiencia  de un día de rodaje fue conocer al equipo de Radwood Films. Roberto Bueno es el jefe y a su alrededor un grupo de chavales indecentemente jóvenes (entre 20 y 22 años) pero ya con experiencia, con calidad y con las ideas muy claras en su trabajo. Guillermo, el cámara, con un desparpajo increíble para corregir y dar su opinión sobre cada plano y cada toma; Willy, ayudante de cámara y de dirección; José y Cata, los chicos de sonido;  Rafa en maquillaje y caracterización; Roberto, el director de fotografía; Rooney, el eléctrico pendiente de su generador; Edu, con el making off; Ainara y Lucía, las chicas de producción que lo tiene todo controlado; Ketty, la script, pendiente de todos los detalles de cada plano. Muchos de ellos todavía están estudiando, otros tienen diferentes trabajos, pero todos lo tienen muy claro. El proyecto se llama Radwood Films, con un video clip titulado “Nota de suicidio” y un corto más en proceso de postproducción y montaje “Countdown” y ahora en pleno rodaje con “The Solitude” cuyo estreno está previsto para la primavera de 2012.

Un equipo de jóvenes, preparados, con ilusión y que además son amigos. ¡Qué envidia! Creo que sólo se pude pedir que tengan un poquito de suerte y éxito estará asegurado. Enhorabuena y gracias por dejarme participar y pasar una tarde inolvidable (y no sólo por el frío)

Otros enlaces:

Web de Radwood Films

Blog de Radwood Films

Videoclip “Nota de suicidio” en YouTube (8’21”)

Pero el mayor éxito ha sido llenar las salas en los diferentes festivales del año y las ganas que hay de ver y de hacer cortos. Según el jurado de la gala, el ganador absoluto fue “Sin palabras” de Bel Armenteros. La relación forzada entre un nieto que debe convivir unos días con su abuelo porque su madre se marcha de viaje. Grandes interpretaciones de ambos actores, Miguel Rellán y AdriánLamana, tensión dramática y un final con rematado de forma espléndida. El segundo premio fue “Qué divertido”, de Natalia Mateo, basada en la conversación entre un padre y su hijo. Un diálogo muy sencillo y a la vez genial entre Luis Bermejo y el niño Teo Planell, quien además es el hijo de la directora. También el jurado hizo una mención especial a “Hidden Soldier” del director Alejandro Suárez Lozano por la destreza técnica de su propuesta, su asombroso realismo y el impacto de las imágenes.

Según la votación del público fueron otros dos cortos los premiados. “Jugando con la muerte” de Pablo Urkijo, una original historia con la muerte como protagonista  y “Camas” de la directora Manuela Moreno que relata diversas situaciones íntimas en torno a la cama y las relaciones de pareja. Junto a estos 5 cortos mencionados, en la final también participaron “Los gritones” un corto que condensa una gran historia en 1 minuto de duración, “Una caja de botones” de María Reyes Arias sobre las ilusiones de una niña con los Reyes Magos y el despertar de la inocencia en una familia sin recursos o la fábula sobre la relación de amor entre una madre y una hija que con el paso del tiempo invierten sus papeles de la directora Ana Lorenz  titulado “Algo Queda”. Muy buen nivel en los cortos finalistas, pero también se quedaron por el camino algunas joyas como “El orden de las cosas” de los hermanos Esteban Alenda con la participación del actor  Mariano Venancio, “Cocodrilo Nilo” de Javier Dampierre o “Un novio de mierda” de  Borja Cobeaga.

Foto Gala Final de Red de Cortometrajes con actores, directores, organizadores y jurado. Foto de Gabri Solera (Fte Red de Cortometrajes)

Ahora miramos ya a la siguiente edición, la del año 2012. Ya se han recibido cerca de 500 cortos, lo que da una idea de la expectación creada para el año próximo, donde ya se ha confirmado la ampliación de días de algunos festivales y se está negociando la incorporación de nuevas citas a la Red de Cortometrajes. Seguro que los 3.600 espectadores de la edición 2011 se queda muy cortos para 2012. Muchas gracias a Samuel Rodríguez y a Diego Ruiz por esta iniciativa que supone poner en valor el trabajo de muchos directores y actores que utilizan el cortometraje como un vehículo de expresión de sus ideas o de su talento. Una buena opción para jóvenes que empiezan en la interpretación, en la dirección u otras facetas técnicas y también para otros ya expertos que aprovechan este tipo de proyectos para hacer cosas que no se pueden permitir en un largo.

Otros enlaces:

web de Red de Cortometrajes

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Fernán Gómez centro de arte

Cuando acabamos de despedir el festival Madrid en Danza el pasado 27 de noviembre, el Certamen Coreográfico de Madrid toma el relevo en la capital madrileña. Una apuesta por los jóvenes creadores de danza contemporánea que expondrán sus propuestas hasta el domingo 4 de diciembre. Y después, a partir del  8 de diciembre, Certamen de Coreografía y Danza Española y Flamenco donde las futuras estrellas de nuestra danza muestran su trabajo. Ambas propuestas en la Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez que mantiene una decidida apuesta por la danza.

En este primer plato dedicado a la danza contemporánea competirán 14 espectáculos, mezcla de compañías y solos en dos muestras, jueves 1 y viernes 2,  por un puesto en la final del sábado y uno de los premios que se entregarán el domingo 4 de diciembre. Junto  a los concursantes en el certamen dos compañías invitadas: Teresa Nieto y Sharon Fridman que actuarán sábado y domingo respectivamente. Este Certamen Coreográfico de Madrid, dirigido por Laura Kumin, cumple 25 años en esta edición y junto a la muestra existen actividades alternativas como el “Taller de palabras en movimiento” o el “Taller estrategias y herramientas” que conforman algunos de los contenidos de este certamen que pretende ser una plataforma de lanzamiento de nuevos artistas en el terreno de la danza contemporánea.

Y más adelante, entre el 8 y el 11 de diciembre la misma sala sirve para reunir al mundo de la danza española y del flamenco en torno al Certamen de Coreografía y Danza Española y Flamenco dirigido por Margaret Jova. En un formato similar, dos días de competición con 16 compañías o artistas individuales participando, una final y una gala de entrega de premios además de la actuación de dos compañías invitadas como son Increpación Danza, el sábado 10 y Rocío Molina el domingo 11. En este caso el certamen cumple 20 años y esta será su segunda edición en el teatro Fernán Gómez, después 17 ediciones en el teatro Albeniz y una en los teatros del Canal en 2009. Los objetivos son permitir a las jóvenes estrellas presentar sus trabajos sobre este tipo de danza.

En ambos casos hay premios interesantes que sirven de apoyo a compañías y propuestas que quieren abrirse un hueco en el mundo de la danza. Aunque quizá el mejor premio es el aplauso del público y el reconocimiento de un trabajo bien hecho. Además es lugar de encuentro de programadores y artistas del mundo de la danza para el intercambio de opiniones y la búsqueda de nuevas alternativas, lenguajes  y porque no, también de algunos acuerdos.

Yo descubrí el Certamen de Coreografía y Danza Española y Flamenco en el año 2007  y desde entonces he sido un ferviente seguidor del mismo sin perderme ninguna de las ediciones. De allí surgieron figuras como Rojas y Rodriguez , Antonio Najarro, Rafaela Carrasco, Miguel Angel Berna, Manuel Liñan, etc. y  grandes promesas de futuro como Angel Rodríguez, Sergio Bernal Alonso o Alejandro García Molinero. Pero sin embargo, lo más importante es que es un momento para el reencuentro y para el disfrute con la danza más nuestra como es la española y el flamenco. No se lo pierdan.

Otros enlaces:

Certamen Coreográfico de Madrid en la web del Fernán Gómez 

Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco en la web del Fernán Gómez

Seguimos hablando “Más de 100 mentiras”, que se pude disfrutar en el teatro Rialto. Un musical inspirado en las canciones y letras de Joaquín Sabina y dirigido por David Serrano. Una historia de tres amigos de los bajos fondos, interpretados por Juan Pablo Di Pace, Víctor Massán  y Alex Barahona. Amistad, venganza, traición y también amor, la chica es Guadalupe Lancho. Hace unos días publicábamos la entrevista con Juan Pablo Di Pace, ahora le toca el turno a Alex Barahona, que también pasó por el micrófono del programa Gente con Duende.

Primera incursión en el mundo del musical de este joven actor a quien le hemos visto en teatro en “Yepeto”, “El enfermo imaginario” o “Los 80 son nuestros”;  en cine con la recién estrenada “Lo contrario al amor” y sobre todo en TV  en series de éxito como “Los Serrano” o “Física o Química”. Ahora se mete en la piel de “El Tuli”, recién salido de la cárcel y con ganas de venganza, un chico malo pero de buen corazón

P: ¿Cómo estás viviendo el musical?

R: Lo he vivido de manera muy intensa. Desde el primer día que supe que iba a entrar aquí el musical era lo que ocupaba mi cabeza . Ahora, una vez estrenado, con las funciones estoy más relajado y pudiendo disfrutar un poco más

P: ¿Cómo es eso de que cantas y además bailas? ¿Quieres ser el actor completo?

R: No, cantar lo defiendo bien, pero bailar menos. Quienes lo  hacen bien son mis compañeros. Pero se presentan momentos en la  vida en que hay que mirar hacia delante. Se presentó la oportunidad de este musical que me pareció muy atractivo por la dramaturgia y por las canciones de Sabina y me lié la manta a la cabeza

P: Tu personaje, el Tuli, lleva bombín, ¿quiere en cierta medida recordar a Sabina?

R: Yo creo que no.  Sabina está presente en la obra, en los personajes, por ejemplo Juan, el personaje que interpreta Juan Pablo Di Pace tiene más de Sabina que el Tuli. El bombín es un guiño, como cuando me visto con una camiseta de rayas, pero no quiere decir que estemos contando algo del cantante con mi personaje

P: ¿Eras fan de Sabina o ha sido un descubrimiento en este musical?

R: Yo no era fan. Me regalaron unos libros con sus sonetos y letras de las canciones y lo tenía en cuenta más como lectura que cómo música. Evidentemente conocía todas las canciones que están en el musical, pero no era una cosa de me lo pongo todos los días. Ahora poco a poco, voy conociendo más. Además las versiones que hacemos en el musical ayudan a entenderlo mejor.

Una escena del espectáculo con Alex Barahona, Guadalupe Lancho y Juan Pablo Di Pace. Fte: rcarpet.wordpress.com

P: Me ha contando tu compañero Juan pablo Di Pace que a veces no sabes lo bueno que eres y que a veces tú mismo eres tu peor enemigo

R: Esto tiene una explicación, porque a mí en este proceso a mi me ha costado mucho. Era una cosa nueva y la confianza estaba bajo mínimos. Entonces mi única manera de poder salir adelante era contarle a mis compañeros lo que me pasaba, mi inseguridad y mis miedos y me quejaba un poco todos los días. Si no llega  a ser por ellos, igual ni había estrenado

P: ¿Por qué noto un reflejo de tristeza en tu mirada?

R: No, la verdad es que han educado para ser feliz, para disfrutar con lo poco o mucho que tenga

P: Te he visto en teatro en todo lo que has hecho a nivel profesional  – Yepeto, Los 80 son nuestros y El enfermo imaginario – pero creo que tienes un reto, un personaje que te gustaría interpretar

R: Si, en alguna entrevista he hablado de Shakespeare y Ricardo III, pero para un futuro, dentro de 15 o 20 años, porque a día de hoy me veo poco preparado para hacerlo

P: ¿Qué tal la experiencia en tu primer largo como protagonista “Lo contrario al amor”?

R: Muy contento, es un viaje diferente desde que te cae el guión, lo preparas, el estrés del rodaje y después del estreno como si desapareciera todo, como si no hubiera pasado nada. Así que piensas que viaje más raro y con recorrido finito,  aunque merece la pena

P: Aunque tu debut teatral fue con “Yepeto”, una propuesta muy valiente en la que lo enseñabas todo

R: Van cayendo cosas para poder hacer y hay que salir adelante. Te decides y lo haces

P: Más de 100 mentiras es un musical original, sin referentes previos y esto lo debe hacer muy especial

R: Es un paso adelante en el tema de los musicales. Drive ha sido muy valiente con la producción.  Si tenemos la oportunidad de verlo en otro sitio será porque ha funcionado

P: ¿Quién es el más mentiroso de los personajes del musical?

R: Aquí la movida es que somos todos mentirosos en escena

P: ¿Y fuera de escena?

R: Pues no se sabe qué es verdad porque todos mentimos

Verdad o mentira, estoy seguro que lo que nos ha contado en esta entrevista es todo verdad. Un actor joven, humilde, muy trabajador con quien siempre es un gusto poder charlar

Otros enlaces:

 Web del musical “Más de 100 mentiras”

Web dedicada al actor Alex Barahona

Juan Pablo Di Pace

Un musical original inspirado en las canciones y letras de Joaquín Sabina, MÁS DE 100 MENTIRAS. Un producto 100% español creado por Drive Entertainment con la dirección de David Serrano. En el teatro Rialto, una historia de bajos fondos con pillos, prostitutas y delincuentes, donde también tenemos venganza, amor y sobre todo amistad. Unos malos muy malos y unos buenos que son un poco malos. Un elenco de actores que además cantan y bailan como Juan Pablo Di Pace, Alex Barahona, Guadalupe Lancho, Víctor Massán y Diego Paris entre otros. Nosotros hemos charlado con los dos primeros y esto es lo que nos contó Juan Pablo Di Pace.

P: ¿Explícanos de que va “Mas de 100 mentiras”?

R: Es más una obra de teatro con música que un musical. Es una historia dramática y muy emocionante. Yo he trabajado antes en otros musicales y éste es muy especial por la dimensión extra que le proporcionan las 20 canciones de Joaquín Sabina que están en el espectáculo y también su poesía.

P: ¿Por qué lo defines  como una obra de teatro con música, por el mayor peso de la historia o de la interpretación?

R: La historia es muy importante y fuerte como son las canciones de Joaquín. Además están muy hiladas con la historia y te ayudan a entender a los personajes y la situación. Para nosotros ha sido muy fácil cantar esas canciones porque están escritas desde un nivel muy personal y nos dan herramientas extras para trabajar con esos personajes.

P: ¿Cómo es Juan, tu personaje, quizá es un poquito malo?

R: Juan era de una cierta forma de ser y la vida le cambió. A lo largo de la historia se tiene que redimir con un giro de 180 grados. Es el mejor de todos, es el único que se puede quitar el sombrero porque se lo juega todo por sus amigos y su novia.

P: Joaquín estuvo en el estreno y dijo que se identificaba más con el personaje de “Manitas” ese boxeador perdedor

R: Manitas es el personaje más querido de toda la obra, es puro, pero muy distinto a Sabina. Manitas nunca le pondría los cuernos a su amada.

Alex Barahona, Guadalupe Lancho, Juan Pablo Di Pace y Víctor Massán, los protagonistas del musical "Más de 100 mentiras". Fte: alcaerelsol.com

P: Yo te conozco de otros musicales y sé que cantas y bailas muy bien, pero me da la impresión que en este musical estás un tanto desaprovechado. Yo te hubiera pedido más cosas

R: Te agradezco la opinión, pero yo no me veo desaprovechado. Creo que te tocan distintas cosas en tu carrera y esta vez me tocó un personaje que hace menos espectáculo. Las canciones y las coreografías han sido cómodas, para mi, el reto ha sido más en la parte actoral.

P: ¿Eras fan de Sabina o le has descubierto en este musical?

R: Yo descubrí a Sabina cuando llegue a Madrid con la canción “Yo me bajo en Atocha”, que hablaba de los lugares de Madrid que yo justo iba conociendo, así que me enamoré de la canción. Pero realmente yo conocí a Sabina a través del casting y luego metiéndome en el personaje y en la obra.

P: Más de 100 mentiras, ¿Quién es el más mentiroso en escena?

R: Todos somos un poco mentirosos, ahí está la clave del espectáculo

P: ¿Algún proyecto a futuro?

R: Por ahora esto es lo único, pero hay que dedicarle 24 horas al día. Es un musical nuevo, entonces hay que estar atento a muchas cosas, nuevos ensayos, etc.

Como dice Juan Pablo Di Pace lo más destacado de este musical es que es original y 100% español. Partiendo de cero y con ganas de competir con las franquicias de los grandes musicales que ya han triunfado en Broadway y otras capitales. Sin duda, un trabajo muy interesante que merece la pena disfrutar.

Otros enlaces:

Web del musical Más de 100 mentiras

Web de Juan Pablo Di Pace

Cartel de la obra

Una habitación de hotel, unas 20 personas y nuestro actor Santi Senso en escena. Así arranca “ORGÍAme, la depravación del yo”, una nueva experiencia de teatro íntimo, de teatro de los sentimientos.  Sin embargo, en un momento determinado, aparece un nuevo actor/actriz a quien nuestro protagonista no conoce, con quien por lo tanto no ha podido ensayar ni siquiera una vez. Pero más aún, el actor /actriz que interviene se presenta en la habitación, confundido con el resto de huéspedes-espectadores, sólo con un texto aprendido, desconociendo el texto del protagonista, las réplicas y lo que le van a pedir.

Una adaptación libre del texto titulado “Orgía” del siempre polémico Pier Paolo Pasolini. Se trata de una orgía, pero de sentimientos y de sensaciones, experimentando con el poder y de miedo. El protagonista manifiesta su poder al conocer el texto de ambos personajes, pero a su vez siente el miedo de no saber quien le acompañará en escena. El actor/actriz invitado refleja el poder del valiente, del atrevido que se lanza a una propuesta de este tipo, pero también el miedo porque no conoce la réplica y tampoco lo que le pueden pedir. Y en medio de ambos, los espectadores-huéspedes que participan de esta orgía con sus propios sentimientos. Teatro  en carne cruda y con la opción de pedir y satisfacer sus deseos más íntimos. Aunque este miedo es opcional, puesto que el espectador también puede disfrutar de una función de ORGÍAme en una actitud contemplativa como simple voyeur.

Santi Senso en un momento de la función. Fotografía: Andrea Perissinotto

Este es un ejemplo de teatro íntimo, otra forma de acercarse a respirar una de las nuevas propuestas escénicas  con las que Santi Senso  y  la compañía Simbolia nos llevan sorprendiendo desde hace ya varios años. Yo recuerdo también, “El amor eterno”, “La cosa más maravillosa del mundo”, “Hiela el calor” o “Velar el desvelo”.  Ahora tenemos una nueva oportunidad de disfrutar con este tipo de innovadoras propuestas, pero hay que estar muy atento porque sólo conocerán el lugar de cada representación quienes se apunten  y reserven su plaza. Para ello hay enviar un mail a simboliateatro@gmail.com

Santi Senso. Foto: O. Ferreira

El lugar va cambiando, como el actor o actriz coprotagonista que comparte escena con Santi Senso. Este es otro de los elementos originales de “Orgíame”, la posibilidad de participar como actor. Hay que ser valiente y cumplir una serie de requisitos, pero eso ya es otra historia.

Otros enlaces:

Más detalles sobre Orgíame

Web de Simbolia Teatro de los sentimientos

Entrevista con Santi Senso

Página web de Santi Senso

Caminando desde la Plaza España, en la acera izquierda primero nos encontramos con un gran cartel en el teatro Arteria Coliseum, que nos anuncia “HAIR”. Fuerza, pasión y energía son los apellidos de este musical que acaba de llegar de Barcelona donde ha triunfado de la mano del director Daniel Anglés. Podemos buscar más elementos de definición, como el “flower power”, el pacifismo y el buen rollo de los hippies americanos de los años 60 del siglo pasado. Lo más destacado son las voces de los 28 artistas que participan en un musical muy coral donde todos cantan, bailan y actúan y lo hacen muy bien. Los papeles centrales para Lucía Jiménez, Joan Vázquez y Tony Bernetti.

Si seguimos por el mismo lado de la calle, una vez pasado el teatro Compaq Gran Vía donde este mes habitan “Los Morancos” con el espectáculo titulado “Risoterapia”, llegamos al teatro Rialto donde resuenan los acordes de la música y las letras de Joaquín Sabina. Hablamos del musical “MÁS DE 100 MENTIRAS”, un producto muy español de la factoría Drive con la dirección de David Serrano. Aquí el punto fuerte es que se trata de un producto original, que parte de cero, además buenos actores que cantan y bailan las canciones tan especiales de un genio como Sabina. Como indican sus protagonistas, Juan Pablo Di Pace, Alex Barahona y Guadalupe Lancho, hablamos de teatro con música y coreografías, más que de un musical.

Por último para llegar a “EL REY LEÓN”, tenemos que cruzar la calle hasta el teatro Lope de Vega que ha sido remodelado para la ocasión. Una superproducción Disney puesta en escena por Stage Entertainment con un esfuerzo económico cercano a los 10 millones de euros. Está basado en el éxito cinematográfico de animación del mismo título, que después de haberse estrenado en más de 15 países, se representa en Madrid por primera vez en castellano. Creado por Julie Taymor y con música de Elton John,  destaca por su espectacularidad con una escenografía impactante, máscaras y figuras animadas que combinan el animal y el ser humano con la magia Disney. Protagonizado por Carlos Rivera, Sergi Albert y Brenda Mhlongo vienen con la intención de quedarse todas las temporadas que sea necesario en Madrid.

Pero hay más, en un par de semanas se reestrenará “Chicago” en el Nuevo Alcalá con Manuel Bandera. También casi todos los escenarios reservan hueco para musicales para toda la familia como “Shrek” en el Nuevo Apolo, este ogro de buen corazón que se puede disfrutar todos los días, excepto los martes. Y otros dirigidos a un público infantil en horarios de fin de semana, como  “La gran aventura de Pinocho” en La Latina, “Cencienta” en el teatro Fígaro, “La pequeña flauta mágica” en el Bellas Artes o “El primer perro del mundo” en el Infanta Isabel, entre otros.

Otros enlaces/ más información:

Web del musical Hair 

Web del musical Más de 100 mentiras

Web del musical El rey león

Entrevista con David Serrano, director de “mas de 100 mentiras” en radio Enlace (6’47”)